Anatomie d’un projet de conservation | Art

Le printemps. Le mot même suscite des pensées de renouveau, de régénération et de bourgeonnement d’une nouvelle vie. Et la création de la peinture de l’artiste Georgia O’Keeffe Le printemps (1948), l’une des plus grandes (4 pieds sur 7 pieds) de ses œuvres de la collection du Georgia O’Keeffe Museum, a marqué ce qui pourrait être considéré comme un tournant – une nouvelle saison – dans sa vie.

« C’est une peinture très différente à bien des égards », déclare Dale Kronkright, responsable de la conservation au Georgia O’Keeffe Museum. “C’est la plus grande peinture qu’elle ait tentée à ce stade de sa vie.”

Kronkright et une équipe de trois chercheurs historiques, trois restaurateurs professionnels et un scientifique en conservation ont récemment terminé des travaux de conservation sur Le printemps. L’ambitieux projet s’est étalé sur deux ans, commençant en octobre 2019 et se terminant en octobre 2021.

Le coût de l’ensemble du personnel, des sous-traitants, des fournitures, du matériel, de l’analyse et de la recherche s’élevait à 145 000 $, dont 75 000 $ provenaient du Bank of America Art Conservation Project.

L’équipe a passé 1 250 heures sur le tableau, qui a subi des dégâts d’eau à cause d’un toit qui fuyait dans la maison de l’artiste à Abiquiú, enlevant des couches de vernis décoloré et de peinture effritée, qui ont été ajoutées à un moment donné au cours de l’histoire du tableau (pas par O’Keeffe) comme sa propriété a changé de mains.

Le traitement de conservation pratique a duré 24 semaines. Douze de ces semaines ont été consacrées à l’étude de conservation du Museum Research Center. Et le travail restant a été achevé à la vue du public dans la « galerie de conservation » récemment baptisée du musée. Le tableau reste visible dans l’installation Pleins feux sur le printemps (jusqu’au 10 octobre) à l’intérieur du musée. L’installation présente la correspondance d’O’Keeffe avec sa restauratrice personnelle, Caroline Keck, ainsi que les bois de cerf et les vertèbres animales représentés dans la peinture.

“C’est un lin à armure toile très lourd, et il est apprêté commercialement”, explique Kronkright, en ne mentionnant que deux aspects qui en font une peinture atypique de l’artiste. «Quand elle commence à venir au Nouveau-Mexique, vers 1930, elle trouve une toile à armure sergée qu’elle aime beaucoup pour sa texture et la façon dont elle retient la peinture. Dans ce cas, c’est juste cet énorme départ.

La peinture a été réalisée à une époque où O’Keeffe terminait le traitement de la succession de son mari, le photographe Alfred Stieglitz, décédé deux ans seulement avant la réalisation de la peinture. En 1948, O’Keeffe se préparait à faire du Nouveau-Mexique sa résidence permanente.

“Nous pensons que c’est le premier tableau qu’elle peint à la maison Abiquiú”, déclare Kronkright.

Un autre aspect qui distingue cette œuvre de l’œuvre de l’artiste est son utilisation des matériaux, qui a été directement impactée par les événements de la Seconde Guerre mondiale.

« La guerre est finie depuis trois ans. La reconstruction de l’Europe a commencé », déclare Kronkright, ajoutant que les entreprises européennes de fourniture d’art ont du mal à réintégrer la chaîne d’approvisionnement pour certains matériaux tels que le plomb, un composant de plusieurs types de peinture à l’huile. «Le plomb avait été séquestré par les deux factions belligérantes de la Seconde Guerre mondiale pour les batteries au plomb des sous-marins, des navires et des véhicules. Il y avait donc une véritable pénurie de blanc de plomb disponible pour les artistes. Donc, les blancs que vous voyez ici seraient normalement du blanc de plomb. Son histoire nous dit qu’elle utilise le blanc de plomb pour l’opacité ou pour garder la peinture très rigide pour garder la texture du pinceau. Au lieu de cela, ce que nous voyons est un mélange qui est sorti juste avant la Seconde Guerre mondiale, un mélange de sulfate de baryum et de dioxyde de titane. C’est ce qu’on appelle la lithopone titanée.







L'histoire de la conservation du

Georgia O’Keeffe’s Le printemps après conservation. Avec l’aimable autorisation du musée Georgia O’Keeffe




Les bleus sont également différents de ce qu’elle utilise normalement pour représenter le ciel du Nouveau-Mexique. Mais, pour le spectateur, la rupture la plus évidente avec son modus operandi est sa représentation surréaliste d’objets. La montagne Pedernal est un sujet commun à O’Keeffe, tout comme les fleurs et les os. Mais il est rare de voir le Pedernal, un os (dans ce cas une vertèbre), un bois de cerf et des fleurs (dans ce cas, des primevères du désert) dans une seule composition.

“Les échelles de temps contrastées rendues manifestes par sa nouvelle maison contrastaient fortement avec l’échelle artificielle et l’éphémère de New York et des villes industrielles”, déclare Kronkright à propos des sujets qu’O’Keeffe a peints plus tôt dans sa carrière. “Elle avait travaillé auparavant pour communiquer la beauté organique intemporelle des os du bassin et le paysage du ciel bleu du nord du Nouveau-Mexique, mais jamais avec quatre sujets et jamais à cette échelle. J’ai l’impression que c’est une sorte de déclaration sur le lieu, sur le nord du Nouveau-Mexique.

Ce que nous apprenons des efforts de conservation du musée est une histoire glanée à partir de l’utilisation des matériaux eux-mêmes, découverte au cours du processus de conservation de l’œuvre.

Loisir présente une ventilation de certains aspects de ce qui est arrivé à la peinture au fil des ans et ce qui a été fait pour la ramener, aussi près que possible, de son état d’origine.

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